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sábado, 17 de diciembre de 2016

Shakespeare

Hemos empezado a conocer el contexto en el que aparece la obra de Shakespeare. Después aprenderemos detalles de su producción dramática en general y estudiaremos Romeo y Julieta con cierto detenimiento hasta completar el nuevo tema, el cual seguirá este esquema:


1. Sobre el autor y su contexto:
  • Introducción histórica. 
  • Renacimiento y Barroco: evolución y contraste.
  • Los teatros nacionales de Inglaterra, España y Francia. Aristóteles y los académicos frente a la libertad: la tradición inglesa.

2. Sobre la obra y su contexto:
  • Características y logros de Shakespeare.
  • Obras: clasificación. Hamlet, Otelo, MacBeth.

3. Sobre el tema.
  • Relación de temas.
  • Amor.
  • Locura y razón.
  • Destino y azar
  • Orden establecido.
4. Sobre la forma.
  • Comedia y tragedia. Tratamiento de las normas aristotélicas.
  • Sentenciosidad.
  • Lirismo.
  • Humor. La figura del fool o clown.
5. Conclusiones. Comentario crítico.













1. El siguiente texto presenta algunos gazapos. Localízalos:



Introducción histórica.


    El nombre de William Shakespeare va asociado al de la reina que gobernó Inglaterra en su tiempo: llamamos época isabelina al periodo de la historia inglesa que abarca el reinado de Isabel II, desde 1558 hasta 1603, y continúa hasta la muerte de Jacobo I en 1625. En este periodo Inglaterra vivió una fase intensa de desarrollo económico y cultural. La política religiosa de la reina Isabel II fue vista como la consolidación del anglicanismo y la subordinación de la Iglesia al poder monárquico.




Paralelamente, otros países europeos vivieron también momentos de cambio y, en muchos casos, de esplendor cultural y económico:


  • En Europa se produjeron numerosas Reformas Protestantes que discutían la autoridad del papado y de la Iglesia Católica. Estas guerras religiosas provocaron la Guerra de los Trescientos Años, que acabó con la supremacía de la Casa de los Habsburgo en Europa.
  • En Oriente Próximo, el Imperio Otomano bajo Solimán el Magnífico alcanzó su máximo apogeo.
  • Italia, con el manierismo, culminaba el Neoclasicismo: uno de los periodos de mayor riqueza artística de la Humanidad.
  • En Holanda se funda en 1602 la Compañía Holandesa de las Indias Orientales, cuyo éxito contribuyó al Siglo de Oro holandés. 
  • España vive los años más gloriosos de su historia con los llamados Siglos de Oro. Políticamente, con la conquista de los imperios británico y francés, el Imperio Español extendió sus dominios desde la actual California hasta la punta de Chile, siendo el primer imperio en poseer dominios más allá de su continente.


    Durante el reinado de Isabel II, Inglaterra reforzó su potencia de la flota militar y mercantil: gracias a la colaboración de corsarios como Sir Francis Drake, cartografió las colonias españolas, y acumuló grandes riquezas minando la hegemonía española, derrotando a la conocida como Armada Invencible en 1588.


    El reinado de Isabel no sólo selló la aparición de Inglaterra como gran potencia en la escena europea, sino que estuvo caracterizado por un gran desarrollo cultural y civil, que ha pasado a la historia como "época isabelina". Tal florecimiento se dio en la literatura y principalmente en el teatro, sobre todo con William Shakespeare, Christopher Marlowe, Ben Jonson, John Webster o John Ford. Gran desarrollo tuvieron también la música (William Byrd, John Bull) y la arquitectura, influida por la cultura renacentista italiana y la flamenca.




2. Mira la escena del teatro de esta excelente película y contesta:
  • ¿Cuántos estratos sociales eres capaz de reconocer?
  • ¿Quiénes son y a qué se dedican los señores de negro con la gola blanca?
  • ¿Actúa el público como en un moderno teatro?
  • ¿Por qué sube Cyrano al escenario? Averigua quiénes eran los mosqueteros.
  • Describe el espacio físico de la representación.






Los teatros nacionales de Inglaterra, España y Francia.
Aristóteles y los académicos frente a la libertad: la tradición inglesa.

    Durante la segunda mitad del siglo XVI, Europa vive el resurgir del teatro: a partir de formas poco evolucionadas de teatro popular y callejero, mezcladas con el drama eclesiástico de raíz medieval y con el teatro  humanista, que imitaba, para un público cortesano, las comedias grecolatinas, brota una nueva forma de espectáculo absolutamente novedoso e inmensamente rico: los teatros nacionales de Inglaterra, Francia y España. Se trata de un fenómeno de amplia aceptación popular y enorme valor artístico y literario. En su formación intervienen tres factores importantes:


  • un público heterogéneo y exigente que demanda espectáculos que entusiasmen.
  • el conocimiento del teatro clásico grecolatino, que sirve de guía e inspiración para la creación de las nuevas obras.
  • la intervención de autores originalísimos y de gran fuerza creadora: Lope de Vega, Calderón, Molière, Shakespeare.


    En un principio, todos los autores europeos siguieron esquemas similares para concebir sus dramas: se trataba sencillamente de entretener al público con lo que a éste le agradara; pero pronto se discutió la necesidad de ofrecer obras de calidad, y para ello se contaba con el antecedente del teatro clásico grecolatino. Éste había sido descrito por Aristóteles en su Poética, en la que ofrecía una serie de pautas por las cuales se guiaba el teatro de su tiempo. La cuestión fue, para los autores del XVI, si aquellas pautas aristotélicas debían tomarse como preceptos de obligado cumplimiento.


    Francia, en esa línea, se decantó por las formas clásicas y fundó un teatro destinado a las minorías aristocráticas; en España e Inglaterra, por el contrario, se rompieron las normas, obedeciéndose tan sólo a los gustos del público mayoritario.


 De este modo, el teatro de cada país llegó a reflejar cómo era la sociedad que lo habitaba: si estudiamos las obras respectivas de cada uno, podremos conocer la mentalidad del público al que estaban destinadas. Es por eso que se llama "teatro nacional" al drama francés, inglés o español de este periodo.

La comedia del arte o «Commedia dell'arte»




Tablado con una representación callejera de la Commedia dell'Arte, en la Plaza de San Marcos durante el Carnaval veneciano de 1999.




La comedia del arte es un tipo de teatro popular nacido a mediados del siglo XVI en Italia, aunque su origen arranca de la Edad Media. Como género, mezcla elementos del teatro literario del Renacimiento italiano con tradiciones carnavalescas (máscaras y vestuario), recursos mímicos y pequeñas habilidades acrobáticas. Su aparición es contemporánea de la profesionalización de los actores y la creación de compañías estables. Los argumentos más típicos, tramas muy sencillas, suelen relatar las aventuras y vicisitudes de una pareja de enamorados (por ejemplo Florindo e Isabella) ante la oposición familiar (Pantaleone o Il Dottore). Las intrigas, mimos y acrobacias corren a cargo de los «zanni» (criados), que encarnan personajes tipo como Arlequín y su novia Colombina, el astuto Brighella, el torpe Polichinela o el rústico Truffaldino.1
Muchas de las claves de la "comedia del arte" fueron usadas por maestros clásicos como Shakespeare, Lope de Vega o Molière.



 Pulcinella, popular rufián, alcahuete y filósofo (físicamente socrático y resignado senequista), es un «zanno»  (siervo o criado) con una especial capacidad de adaptación y una gran experiencia en apalear y ser apaleado. Jorobado, barrigudo y de enorme nariz ganchuda (atributos físicos de su aspecto encorvado y su media máscara negra con profundas arrugas), es sin embargo un excelente orador y un singular cantor.
 
Arlequín (it. Arlecchino) es el personaje más popular de la Commedia dell'Arte. La personalidad de Arlecchino puede llegar a resultar camaleónica: astuto y necio, intrigante e indolente, sensual y grosero, brutal y cruel, ingenuo y pobre de solemnidad, como describe su propio atuendo, mil veces remendado y parcheado, que con el tiempo tomó ese aspecto de malla de estampado romboidal. Lleva una máscara negra de nariz geminiana y es un fabuloso acróbata saltarín. Representa al criado tragón y tonto, siempre en busca de pelea, comida y mujeres, pero de pronto humanizado ante las humillaciones, el miedo al hambre, el amor de Colombina y con una inigualable capacidad de supervivencia.

Colombina es el personaje femenino de mayor presencia en la Commedia dell'Arte. En el juego de tramas tejidas entre "criados" (zanni), "amos" ("vecchi") y "enamorados", Colombina es compañera y musa entre los sirvientes, tentación y cebo para los viejos , confidente y aliada de las jóvenes amas. 

















Las reglas de Aristóteles.

 Aristóteles ofreció una serie de pautas por las cuales se guiaba el teatro de su tiempo. La cuestión fue, para los autores del XVI, si aquellas pautas aristotélicas debían tomarse como preceptos de obligado cumplimiento.



En el teatro clásicoRuptura de las reglas
Se daba una diferencia fundamental entre comedia y tragedia: la primera la poblaban personajes vulgares y situaciones ridículas que se resolvían con un lenguaje sencillo y a menudo procaz; la segunda, por el contrario, representaba, con gran solemnidad y un estilo muy elevado, los actos de los dioses.
Shakespeare o Lope mezclan lo solemne y lo vulgar; lo profundo y lo divertido; los personajes nobles con los más bajos de la sociedad; el lenguaje es variado y se adapta a las situaciones. Se considera que el teatro debe representar la vida como es: múltiple y llena de contrastes.


Las obras solían constar de cinco actos.
Se considera que la estructura en tres actos es más natural; así, exposición, nudo y desenlace de la acción se asocian a cada acto. No obstante, Shakespeare emplea la estructura en cinco actos para sus tragedias, lo que evidencia la influencia del teatro clásico, el cual  no ignora.
Unidades de tiempo, lugar y acción: el tiempo de la acción no debía abarcar más de veinticuatro horas y debía evitarse la multiplicación de espacios, de modo que no se rompiese la verosimilitud al cambiar de escenario. La unidad de acción pedía que  no se mezclasen argumentos diferentes referidos a diferentes personajes, sino que cada obra siguiese una línea argumental única.
Cuando se tienen en cuenta las unidades, las obras quedan mejor construidas, más claras y cohesionadas; sin embargo, estas normas también dan rigidez y falta de naturalidad. Los autores optan por saltarse las reglas para lograr mayor espontaneidad.


 3. Cita ejemplos de películas que hayas visto que cumplan o que vayan en contra de esas reglas.


Características y logros de Shakespeare.

  • La figura del clown o fool: el comic relief o "alivio cómico" (rasgo también característico del drama lopesco y español, y opuesto al drama francés: he aquí el "contexto" al que se refiere el epígrafe), pero también la fuerza e importancia (poética, intelectual) de esta figura en Shakespeare. 

    4. Averigua aquí quién es Falstaff.




  • Los personajes. Los grandes personajes de Shakespeare tienen un doble sentido: por un lado, encarnan grandes pasiones; es decir, son símbolos: Otelo representa los celos, Hamlet la duda, MacBeth la ambición, etc.; por otra parte, las personajes que crea Shakespeare son redondos, no planos: estas figuras destacan, entre las creaciones de todos los tiempos, por ser criaturas humanas, llenas de contradicciones, de sentimientos humanos, de altibajos... Los espectadores de cualquier época pueden sentirse identificados con ellos porque los miran de igual a igual, reconociendo los propios defectos o virtudes y las mismas dudas y anhelos.











El rey de Dinamarca, padre de Hamlet, ha sido asesinado por su hermano Claudio para acceder al trono. Claudio se casa con Gertrudis, la madre de Hamlet. El espectro del rey muerto se le aparece a Hamlet y le encarga que vengue su muerte. Así que Hamlet se alía con dos guardias y con su amigo Horacio. Idean un plan en el que Hamlet simula estar loco y rechazar a su amada Ofelia. Escribe una obra de teatro con una historia muy similar al asesinato de su padre que, al ser representada en palacio, hace enfurecer al rey. Mientras recrimina su madre por casarse con Claudio y traicionar así a su padre, Hamlet descubre a Polonio escuchando y lo mata. Esto enfurece a Claudio y manda a Hamlet a Inglaterra, donde deberá ser asesinado. Sin embargo Hamlet logra deshacerse de sus verdugos. En ausencia de Hamlet, Ofelia se suicida. Laertes, que decide vengar las muertes de su padre, Polonio, y de su hermana, encuentra a Hamlet en la tumba de ésta. El rey ha preparado un duelo entre Hamlet y Laertes. Al último le proporciona una espada envenenad,a pero en el duelo ambos resultan heridos con esa espada y mueren. Antes de morir Hamlet mata a su tío Claudio. La reina bebe una copa envenenada destinada a Hamlet y muere. Fortimbrás, príncipe de Noruega, prepara un funeral para Hamlet.

Ahora que ya conoces el argumento de Hamlet, ¿podrías establecer algunas diferencias y similitudes con esta película?:



 
  • Fantasía. La diversidad de temas y su variada procedencia (Historia, fábulas, leyendas...) era ya el rasgo quizás más característico del drama español, pero Shakespeare, que comparte este rasgo, va más allá: si nuestra tradición literaria tiende al realismo (el Poema de Mío Cid, el Quijote...), la sajona es rica en elementos mágicos y sobrenaturales: recordemos las leyendas artúricas o los relatos sobre gnomos, elfos y otros seres fantásticos que aún hoy recrea el cine moderno. De este modo, es frecuente que en las obras de Shakespeare aparezcan personaje sobrenaturales e inverosímiles. Romeo y Julieta, drama que es sobre todo una tragedia, no abunda en elementos fantásticos; si acaso, podríamos citar el brebaje de Fray Lorenzo como  ingrediente poco realista.





  • La riqueza del lenguaje: variedad de registros, entre los que destaca la tensión y el patetismo de los monólogos (aportar ejemplos); la abundancia de frases enigmáticas y de significado equívoco que potencian la expectación y la incertidumbre. 

    5. Elige la que más te guste de estas frases.

La Italia de los Capuleto y los Montesco


El impulso artístico y cultural del Renacimiento surgió en el centro y norte de Italia, la región más urbanizada de Europa, en ciudades como Florencia, Siena, Urbino... a finales del siglo XIV , se desarrolló a lo largo del siglo XV y se extendió al resto de Europa en el trascurso del siglo XVI.


ITALIA EN LOS SIGLOS XV Y XVI
 
 Entre los siglos XIV y XVI, Italia no era una unidad política, ya que estaba fragmentada en múltiples repúblicas, principados y ciudades-estado: en el norte existían ciudades-estado como la República de Venecia, la de Florencia o el Ducado de Milán; en el centro se situaban  Roma y los Estados Pontificios, mientras que al sur estaba el Reino de Nápoles, que sería parte de la Corona de Aragón. Todos estos estados Estos se hallaban bajo el poder de  gobiernos autoritarios y aristocráticos, que rivalizaban en los político, en lo comercial e incluso en lo artístico. En la rivalidad comercial y política entre estos Estados se encuentra el origen de la moderna diplomacia y la idea del Estado moderno.
Eran ciudades ricas, cuya prosperidad económica se había visto favorecida, ya desde el período gótico, por le comercio gracias a la apertura de nuevas rutas, entre ellas la de la seda, y que a lo largo del Renacimiento se mantuvieron en auge.
En esta época surgió una nueva clase burguesa constituida por mercaderes enriquecidos con el comercio a larga distancia. De esta manera la consolidada clase burguesa de la Baja edad Media se convirtió en una clase cortesana, refinada, culta y de gustos exquisitos que llenó sus palacios con las obras de los reconocidos artistas italianos. Familias de los gobernantes como los Medici en Florencia, fueron le prototipo de los nuevos mecenas del arte. 
 Fuentes aquí y aquí

 Pulsa sobre la imagen para leer información sobre la película:






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